Saudade

Fotolibros - Saudade - Mariceu

Saudade es el resultado de dos trabajos unidos para una exposición en la Galería Municipal de Santiago de Querétaro, en México. Esta unión se pensó para un espacio físico pero dentro del ejercicio también nace un fanzine donde encontramos solo una parte de esta exposición.

Mariceu Erthal es la autora, una joven dedicada a la contaduría que fuera de su campo laboral explora el mundo y se analiza por medio de la fotografía y la literatura. Ella me hace recordar el caso de José Luis Cuevas fotógrafo mexicano que inicio su vida profesional como ingeniero de sistemas y abandono su carrera para convertirse en uno de los referentes actuales de la fotografía en México.

A ella la conocí en una tienda de Bogotá, nos tomamos unas cervezas junto a los colegas que estaban en el taller de Francisco Mata Rosas. Desde ese momento nos conectamos por Instagram y empecé a seguir su trabajo. Un año después, en el encuentro de 20f pudimos sentarnos a conversar en un café del centro de Santa Cruz (Bolivia. Estaba haciendo calor y mientras esperábamos a que nos atendieran me dijo que había traído una sorpresa y saco de su bolso un fanzine de portada roja. Antes de poder darle una primera mirada tuvimos una larga conversación sobre este proceso.

Fotolibros - Saudade - Mariceu Erthal

En esta charla me entere que Saudade son dos proyectos muy distintos unidos por la nostalgia, donde la autora representa su percepción sobre estas realidades por medio del auto retrato. En él, Mariceu hace una  aproximación a la tristeza de una ruptura en la vida de dos familias que vieron partir a sus hijas, una de ellas a raíz de un secuestro en México en el cual desapareció (cartas a Gemma) y la otra por el fenómeno social de la migración en Cuba (Iriana) .

El fanzine está impreso tipo revista con la imagen de una selva roja en la portada y un rostro yuxtapuesto que me hace pensar en el reflejo frente a un vidrio que nos puede separar de todo el monte tupido que está afuera esperándonos. El papel en el que esta impresa la portada es interesante porque al ser mate le da una textura atrayente a la imagen pero al abrir el libro nos encontramos con un papel brillante tipo revista que le desfavorece a las fotografías.

Fotolibros - Saudade - Mariceu Erthal

Imágenes pictóricas y oníricas una tras otra, acompañadas de textos alusivos a la nostalgia de la autora, recuerdos de su infancia mezclados con pensamientos actuales que lo sumergen a uno en esta ficción basada en realidad.

El Fanzine como tal es un preámbulo al proyecto  Saudade, en este nunca se nombran las historias de las jóvenes lo que por un lado es interesante porque la secuencia crea una historia que está totalmente alejada del  origen del proyecto,  pero por otro lado es una lástima que el lector se pierda de datos tan importantes que le aportarían más a las poderosas imágenes.

La foto del rostro y la mano es la imagen más fuerte de la serie, un performance en el que la autora  usa uno de los vestidos de Gemma (la joven desaparecida en México) y hace un ejercicio con su padre como si él estuviera acariciando el rostro de su hija. Este tipo de acciones en las que vincula a los familiares de las víctimas constituyen grandes aportes a su proceso, pero es información que se omite en el impreso.

Fotolibro - Saudade - Mariceu Erthal

La charla con Mariceu antes de ver el fanzine alteró totalmente mi percepción del libro, pero cualquiera que vea la secuencia de saudade por primera vez puede sumergirse en este micro universo de frases poéticas y fotografía onírica. Actualmente la autora se encuentra trabajando en un proceso más personal que derivó de este trabajo, de la mano de Ana Casas Broda inicia una nueva exploración de su vida familiar, específicamente con su padre, el nombre del proyecto es una idea que surge después de una conversación con su papá cuando Mariceu le pregunta sobre cuál es su palabra favorita en portugués.  

Escribir sobre este trabajo para mí ha sido diferente, abriendo mi panorama ya que no es el tipo de foto que suelo consumir o hacer, alejándome de este tipo procesos donde se representa la realidad a partir de la ficción de la mano de puesta en escena y representaciones muy subjetivas de un hecho.

 

“Me vi en el espejo,

el que ocupaba casi toda la pared,

se reflejaba mi mamá encorvada de espaldas trabajando,

y mi rostro.

MI ROSTRO,

Del que hablaron en la escuela esta mañana,

Observe la fealdad que con risas susurraron,

Me ví

Lo creí.

PERCEPCION DE LA REALIDAD MEDIANTE EL AUTORETRATO

HUIR DE PROBLEMAS – LA ANSIEDAD

Los textos son alusiones de su propia nostalgia

Representar una percepción sobre una realidad a partir del auto retrato 

Inmersión a la tristeza de la separación familiar de la ruptura,

Un acto violento y un tema social.


Texto de Andrés Bo - Instagram - andresb217@yahoo.com


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Datos de Publicación

Autora: Mariceu Erthal

País: Mexico

Donde Comprar:

Mariceu Erthal

Nota 1: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com

Herida y Fuente

Libro silencio:

intimidad,

soledades,

búsquedas,

deseos,

ausencias,

instantes,

adioses,

retornos,

reencuentros,

otredad,

piel,

grietas...

Ritmo,

respiro,

ventanas,

fronteras,

texturas,

cuerpos,

territorios anhelados,

miradas empañadas,

mapas recorridos,

oscuridad,

memorias,

promesas,

luminiscencia,

vínculos,

fulgores,

susurros.

Fotolibros - Herida y Huella - Tom Griggs

Herida y Fuente no es más que un recorrido sensitivo por la intimidad, un retrato del tiempo y el espacio como viandantes intangibles, una contemplación de la individualidad, de las búsquedas, de los vínculos.

Este fotolibro no puede encuadrarse entre letras, no tiene introducción ni explicación, porque de entrada se manifiesta como ventana de sensaciones que, con detalles visuales de lo cotidiano, reta a una lectura personal de silencios ajenos.

Fotolibros - Herida y Huella - Tom Griggs

Con su primer fotolibro, Tom Griggs reafirma la validez de lo cotidiano, de las narraciones íntimas como memorias colectivas y entrega la fotografía no solo como relato sino como un estado de ánimo, como una revelación del ser.

Fotolibro - Herida y Huella - Tom Griggs

Las ventanas como frontera de lo íntimo y lo público se repiten como pistas, como mapeo, como hilo conductor en Herida y Fuente. Las cortinas y las sábanas son rastros de la espacialidad habitada. El cuerpo es territorio anhelado que se agrieta con las ausencias, con los silencios; es la contradicción entre lo imprescindible y lo efímero.

Con pausas intermedias entre sutiles entradas de luz y meditabunda oscuridad, el ritmo del libro intima con el lector. Y aunque se resguarda en gruesas hojas amerita, quizá, un tamaño de bolsillo con la portabilidad de un libro viajero.

Las palabras entretejidas en la contraportada, por Jairo Montoya y Carlos Mesa, son una insinuación que sugiere un vital retorno a lo simple... un riesgo que se asume al entrar en esta historia.


Texto de Sandra M. Ramírez Giraldo - Instagram - jierupulaa@gmail.com


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Datos de Publicación

Autor: Tom Griggs

Edición y Diseño: Mesaestandar

Editorial: Mesaestandar

ISBN: 978-958-59467-5-0

País: Estados Unidos/Colombia

Medidas: 26 x 19.5 cm

Número de Páginas: 76 páginas. Papel Ivory - Pasta blanda.

Impresión: Artes y letras S.A.S.

Texto contraportada: Jairo Montoya y Carlos Mesa.

Donde Comprar:

Editorial Mesaestandar

La necesidad del absurdo.

Fotolibros - Sangre - Leslie Spak

“Existe lo conocido y lo desconocido, en medio están las puertas de la percepción”

Aldous Huxley

No hay nada mas extraño que empezar este libro por la imagen final. Cuatro caras con rasgos de hombre mayor están distribuidas en cuatro cuerpos distintos, tres de estos cuerpos tienen características de niña pero con la misma cara, la misma sonrisa y la misma mirada que al repetirla se vuelve perturbadora. En un primer intento de lectura es imposible pasar por alto detallar los rostros, acción que luego acompañara todo el libro como una metáfora de la sangre, entendida como el origen pero también el fin, y el trauma. Los azulejos hacen saltar la mirada hacia un fondo casi plano y luego encontramos una figura mayor, enmarcado en lo que parece el borde de una puerta, todos están agarrados de la mano con una sonrisa que quiere aparentar ser desprevenida pero que en realidad esta posando. El hombre de traje negro no alcanzo a ajustar los tres botones de su saco para la foto, solo el del medio y la corbata quedo atascada en el primero.

Fotolibros - Leslie Spak

Cuando uno tiene este libro de portada roja en sus manos lo primero que nota es que la cubierta tiene un corte que nos deja ver la cara de un niño, que por su contexto pareciera que esta pensando o lleva dandole vueltas a un asunto mucho tiempo y curiosamente su mirada señala el titulo del libro y el nombre del autor en alto relieve, casi invisibles, algo difícil de notar en primera instancia. Es posible que esta metáfora nos de un primer indicio de que este trabajo es también una introspección.

Para ver este libro lleno de misterios, tendríamos que estar dispuestos a perder eso que llamamos “identidad” por un momento e intentar encontrarnos en el proceso. Imaginen que ustedes son sus padres, o sus padres son ustedes, que sus abuelas no son sus abuelas sino sus tíos, que una mujer en su familia tiene bigote o que en los recuerdos con sus seres queridos las caras se repiten indefinida y aleatoriamente en aquellos cuerpos moralmente “bien puestos”, sin ser capaces de reconocerlos o incluso reconocerse; es justo en ese momento en que la mente se dispone a retorcerse gracias a este ejercicio de memoria ficcional y podríamos empezar a valorar el absurdo como parte inherente de nuestra “realidad”. Saltar de la mirada conservadora del archivo fotográfico familiar a la exploración de la niñez y el absurdo para establecerlo como elemento narrativo, es definitivamente en este libro una pregunta abierta hacia algo que llamaremos “la construcción de la identidad”.

Por otra parte, dice mi abuela que hay que conservar la buena postura cuando se participa en eventos sociales, porque es un momento al cual se le da demasiada importancia y de este tipo de imágenes esta lleno el libro, puede que sea un acto consciente de la autora o que realmente las imagenes de su archivo familiar están llenas de estas situaciones sociales, cosa que me llevó a pensar en esa costumbre de contratar a un fotógrafo para este tipo de actos que valía la pena recordar, claro, estoy pensando en generaciones que no tuvieron acceso directo a esto de la democratización de la fotografía y como ha ido evolucionando con la imagen digital hasta llegar al selfie. Pero probablemente el ADN de este trabajo no radique principalmente en problematizar sobre el acto social y la buena postura, o sobre la aceptación que se ejerce de acuerdo a nuestras maneras de vestir y mostrarnos ante la sociedad. Pero si puede que sea parte de las instrucciones genéticas para comprender la sangre de este cuerpo de trabajo, ademas, hay unas situaciones que evidentemente no han sido pensadas para el acto fotográfico: como ver a alguien a punto de tragar un bocado o como en la penúltima imagen, alguien tapándose la cara. Pero es solo un detalle que he decidido mencionar debido al contexto en el que se desarrollan la mayoría de las fotografías.

Algo que me parece muy valioso del libro es el uso del montaje como recurso narrativo, y como la mezcla con el archivo problematiza sobre las nociones de lo que es real o no y del significado mismo del documento y lo fotográfico. Para mi este trabajo cobra valor en el momento en que pelea con la teoría clásica de la fotografía y los constructos del documentalismo, aunque no deja de ser, según yo, un archivo documental. Con este procedimiento de apropiación se puede dialogar en el marco del <paradigma del archivo> un concepto que Benjamin Buchloh teorizó a principios de los 90 estableciendo por primera vez una clara relación entre el archivo y el arte contemporáneo, con motivo de la publicación del catalogo de la exposición Deep Storage: Collecting, Storing and Archiving in art. En esta exposición se mostraba el trabajo de una serie de autores como Gerhard Richter, Bern y Hilla Becher o Christian Boltanski, que trabajaron a partir de archivar colecciones de fotografía, entonces según Buchloh este tipo de trabajos que venían desarrollandose en el campo del arte no podrían clasificarse según las vanguardias o la teoría clásica de la fotografía y comienza a desarrollar la teoría del paradigma. Pero que pasa entonces cuando se rompe no solo con la definición de fotografía, sino con la de archivo/documento también?. 

Este giro en el arte que identificó Buchloh es definido según Ana Maria Guasch como una tercera vía para analizar el arte, separado de los otros dos paradigmas establecidos hasta el momento: la obra autentica y la multiplicidad del objeto artístico. Cuando trasladamos esto hacia el terreno de lo fotográfico, el archivo (Arkhé, que significa principio, origen) termina siendo parte inherente de su campo y deberíamos considerar el montaje o collage como una via más para analizar la imagen fotográfica, sobre todo en la contemporaneidad, donde coexisten Snapchat, Instagram, Facebook y seguramente miles de aplicaciones más, que terminan convertidas en los nuevos centros de documentación, archivo y álbumes, tanto personales como familiares.

Justo como dice Fred Ritchin en el prefacio de su libro “Después de la fotografía”: “Hemos entrado en la era digital y la era digital ha entrado en nosotros. Ya no somos quienes alguna vez fuimos. Para bien o para mal. Ya no pensamos, hablamos, leemos, escuchamos ni miramos como alguna vez lo hicimos. Ni tampoco escribimos, fotografiamos o incluso hacemos el amor de la misma manera(…) Nuestra noción de comunidad ha cambiado, como también la noción que tenemos de nosotros mismos.”

Ahora que estamos convertidos en seres virtuales pareciera que todos adoptamos la posición de hiperfotográfos, sencillamente porque la mayoría tiene acceso a este tipo de tecnología y en la red todo se vale. Pero que tiene que ver esto con el libro? Creo que cuando intentamos pensar en la imagen contemporánea y sus implicaciones, este libro es uno de esos ejemplos perfectos para introducirnos en la virtualidad de la imagen y su alcance. Aunque desconozco si el montaje se hizo de manera digital o análoga, para las generaciones virtualizadas tendrá referencia directa a aplicaciones como Snapchat, pero en este caso quiero hablar específicamente de Face Swap Live. Esta bizarra y divertida app dedicada al intercambio de caras y mascaras, como muchas otras, no son solo generan modificaciones en la manera como asumimos y tomamos fotografías hoy día, sino que disimuladamente están empezando a modificar nuestros álbumes, archivos y documentos. Esta aplicación lanzada en diciembre de 2015 llego a ser la 2da mas vendida del 2016 en la App Store, mismo año en que Snapchat se convirtió en aplicación gratuita más descargada por los usuarios de Apple; imaginar la cantidad de usurarios  de alguna de estas dos aplicaciones es una locura. Si ponemos en el buscador de Google, en la sección de imagenes el numeral #faceswap aparecen mas de 3.6 millones de resultados y eso que es solo un numeral de los muchos que utiliza la gente para compartir sus imagenes. Ahora pensemos en la cantidad de memoria modificada que se va a quedar archivada en los nuevos dispositivos y plataformas que guardan nuestros recuerdos.

Luego de divagar en estas ideas sigamos en lo que nos interesa, y para no aburrirlos, finalizo con una conclusión muy personal sobre el libro “Sangre” de Leslie Spak.

Este trabajo que navega entre la ironía de la interpretación de un archivo familiar mediante un montaje cargado de “absurdo”, se convierte en un documento que busca tal vez, convertir el asombro y el horror en una de las primeras pulsiones provocadas en el espectador o simplemente funciona como un ejercicio de catarsis; Probablemente este trabajo es un viaje en el tiempo que decide enfrentar la autora al momento de encontrar el archivo y pensar en pasar a hacer parte de él. Los rasgos de su formato y la disposición de las imagenes nos hace pensar en un filtro lleno de grietas hacia Lo Real, refiriéndome a ese vacío que se genera ante la imposibilidad de reconocimiento de lo conocido, y es precisamente esta característica la que nos hace tambalearnos frente a sus imagenes. Este libro genera un escalofrío tensionante que puede llegar a ser divertido al momento de analizar sus paginas y esto es un impacto que solo se da por la mirada, más no a partir de la reflexión, que fue lo que intente hacer acá, así que si puede busque una copia o pídaselo prestado a alguien y cuéntenos que le pareció.

Fotolibro Leslie Spak

“(…) In the right context, manipulation can reveal truths that a single image alone never could.” Errol Morris, Documentalista.

Quiero agradecer a Leslie, por crear esta traumática maravilla, y a Jon por la invitación. Intenté hacerlo lo mejor posible, fue un reto gigante lleno de aprendizaje y errores, seguramente.


Texto de Andrés Millán - Página web - andres.millan.t@gmail.com


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Datos de Publicación

Autora: Leslie Spak

Editorial: Editorial la Luminosa, 2016

ISBN: 978-987-3751-14-1

País: Perú

Medidas: 21 x 16 cm

Número de Páginas: 72 páginas. Tapa blanda.

Donde Comprar:

Editorial La luminosa

Nota 1: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com

Obras Maestras

Fotolibro Obras Maestras - Antonio Peres Rio - FotolibrosEspañoles

Si quisiéramos presentar este libro en términos básicos, diríamos que “Obras Maestras” es un libro en el cual Antonio Pérez Río nos muestra a personas que dirigen sus dispositivos electrónicos de captura hacia una obra de arte, con el fin de fotografiarlas.

Sin embargo, Antonio Pérez Río no es un hombre básico. Él no podría mostrarnos solo eso. Como buen investigador, ha tardado 4 años en decantar lo que sería la forma de representar uno de los fenómenos sociales que cada vez más están afectando a la cultura y al ser humano: la mediatización de las experiencias, la enajenación del individuo y la decadencia en las formas de la apreciación de las formas de la cultura misma.

 “Obras Maestras” presenta una reflexión profunda a través de imágenes, cuyo proceso de representación se lleva a cabo en un nivel simbólico, llevando al lector a cuestionar la transformación del ser humano en un “ciborg” que pretende trillar y engullir las pinturas realizadas por los que han sido reconocidos como los más grandes espíritus artísticos de todos los siglos.

Especial afán tienen estos seres “mitad humanos-mitad gadgets”, por seleccionar obras que han sido avaladas como piezas fundamentales del arte. Acá la primera paradoja. Han sido consideradas así en parte por la  reproductibilidad y masificación de su importancia y en parte porque ya es tiempo de Redes Sociales y Post verdad.

Para no caer en suposiciones, preferí hablar con el autor, quien hizo este trabajo viajando a Paris en sus vacaciones y fotografiando dentro del Museo Louvre, Él, muy amablemente ha respondido a nuestras preguntas sobre el libro:

Vilena Figueira: ¿En qué momento caíste en cuenta que el trabajo estaba no solamente en las personas y las situaciones engorrosas dentro del museo, sino en la relación entre estas, las obras de arte y los dispositivos de captura?.

Antonio Pérez Río: “En un primer momento me atrajo mucho el gesto de esas personas al fotografiar, la acción de sustituir la mirada directa por la mediación que supone un dispositivo digital. Con el paso del tiempo, las pantallas fueron cogiendo más protagonismo, pues las pantallas son el centro de la realidad y, por supuesto, las obras adquieren múltiples vidas en ellas. No solo muestran diferentes versiones de la pinturas -haciendo que cualquier posible canon de “obras maestras” salte por los aires-, sino que ofrecen nuevos contextos de lectura que desactivan la intención del autor -como en la visión de la matanza de Sardanápalo bajo la supervisión de Hello Kitty o en la visión del hombre del guante de Tiziano bajo la mirada de la Pantera Rosa-, permiten mantener al usuario en una placentera sensación de juego permanente -como en la visión del duque de Lennox con orejitas de conejo- o introducen el capitalismo en nuestra mirada -como en los anuncios que se suceden en tiempo real mientras fotografían con aplicaciones gratuitas, aunque eso suponga que el pobre Marsias esté esperando a ser desollado mientras nos asalta la publicidad de una película-. Las pantallas muestran cómo miramos y, también, cómo las fuerzas del mercado quieren que miremos. Por eso las protagonistas de las fotografías no son las personas, sino las obras y los dispositivos digitales, pues en ese encuentro se produce una fricción que me atrae poderosamente”. 

VF: Es innegable tu proceso de acercamiento físico al objeto y al sujeto. ¿Cómo fue ese proceso de aproximación a tu tema de investigación visual?.

APR: "Hay dos aproximaciones: una intelectual y otra física. Pasé un año escribiendo los textos del libro y profundizando en los temas a los que apuntaban mis imágenes. Este proceso transformó mi manera de plantear la escritura y de comprender lo que estaba viendo. Escribía en Madrid y fotografiaba en Paris, recorriendo el museo e infiltrándome en los grupos de turistas. Los visitantes del museo estaban demasiado ocupados tomando fotografías como para fijarse en otra persona que estaba detrás de ellos haciendo, aparentemente, lo mismo. No obstante, si percibía que alguna persona se sentía incómoda, no por el hecho de fotografiar, sino por mi extrema cercanía, me alejaba, pues no me gusta intimidar ni incomodar. Y si percibía una mirada de extrañeza, me hacía el despistado, que es algo que, desde pequeño, se me da muy bien” ...

“En cuanto a la técnica fotográfica, las fotografías están tomadas con una cámara réflex full frame, pues necesitaba una cámara de enfoque extremadamente rápido: el gesto de tomar una foto de una obra con un móvil dura, en muchas ocasiones, décimas de segundo, y ese era el momento que tenía que aprovechar para enfocar y fotografiar la pantalla del visitante en primer plano y componer con las formas y los colores del fondo. No bastaba con tomar una foto, sino con conseguir fotografías que muestren diferentes capas de lectura a un lector inteligente y que generen una experiencia estética en él. El tamaño del sensor de esta cámara también me permitía desenfocar el fondo de las imágenes, pues una premisa del trabajo es que las obras sólo viven en las pantallas y todo lo que no está en ellas es cada vez menos importante, se convierte en periferia, en un mero decorado.  Además, necesitaba lentes muy luminosas dada la escasa iluminación de las salas del museo. Por eso casi todas las fotografías están tomadas con un 35 mm 1.4 o un 50 mm. 1.4. Hay artistas a los que no le gusta hablar de la técnica. A mí no me importa: es parte del juego. Otra parte importante de la técnica era llevar calzado cómodo y snacks. Cada jornada en el museo caminaba en su interior entre 12 y 18 kilómetros. No me interesaba escenificar las fotografías, sino que fueran los visitantes y sus usos de la fotografía los que me guiaran en el proceso”.

VF: Spottorno y Foncuberta se mencionan en la hoja de presentación  en tu libro pero no logro descifrar el papel que ellos han jugado.

APR: “Jajaja…. En el libro hay varios guiños para que el lector atento vaya comprendiendo que el contenido del libro quizás no sea lo que él espera. En este caso, se trata de una pequeña broma que utiliza dos licencias eclesiásticas que se empleaban para autorizar los textos canónicos: el “nihil obstat” que otorgaba el censor y el “imprimatur” que firmaba el obispo. Hemos incluido ambas licencias, firmadas por Spottorno como censor y por Fontcuberta como obispo, autoridades de una iglesia imaginaria de la que mi obra, de forma también imaginaria, también forma parte. Carlos Spottorno es un referente a la hora de utilizar dispositivos aparentemente ortodoxos para incluir un contenido que subvierte su sentido, como hizo en The Pigs al plagiar el diseño de The Economist o en Wealth Management al imitar el formato de los folletos de la banca privada. Con “Obras Maestras” me apropio del formato clásico de los libros de “grandes éxitos” de los museos -imitando concretamente el diseño de un libro de 1951- para introducir un contenido que hace saltar por los aires el sentido de este tipo de libros. Respecto a Joan Fontcuberta, me interesa mucho el análisis que hace sobre los usos de la fotografía y sus obras, divertidas e inteligentes, son una especie de caballos de Troya que destruyen nuestras presunciones sobre la relación entre imagen y realidad. La huella de Fontcuberta se percibe en los textos, que son una parte fundamental del libro. Les pedimos permiso a ambos para incluir su firma y, como tienen sentido del humor, aceptaron. Y, de este modo, salvaron mi alma fotográfica para siempre”.  

A Antonio Pérez Río le conocí en Cali, Colombia, el día en que nos dio una charla sobre su obra. Enseguida que terminó, me acerqué y compré uno de los pocos ejemplares que tenía allí. Como coleccionista de libros, este lo voy a atesorar no solamente por la agudeza en su reflexión, sino porque estoy segura de que será un hit por una segunda paradoja que deberá cumplirse. En eso no creo que me equivoque.

Esa segunda paradoja que creo se cumplirá, es que este libro con seguridad será vendido en la tienda de recuerdos del mismísimo Louvre. Así se cerrará este acto irónico y reflexivo sobre el fenómeno de masas, el consumo y la circulación de las imágenes. Reposará en los anaqueles como un Caballo de Troya a punto de abrir las puertas.

El libro se presentó oficialmente este miércoles 10 de octubre, a las 8 de la noche en la Escuela LENS, en Madrid, España.


Texto de VILENA FIGUEIRA - Página web - vilenafigueira@yahoo.es


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Datos de Publicación

Autor: Antonio Pérez Río

Editorial: LENS Books

Diseño: Underbau

Traducción: Juana Adcock y Sophie Hugues

Preimpresión: Eduardo Nave

Impresión: Artes Gráficas Palermo

ISBN: 978-84-09-02911-2

País: España

Medidas: 17,5 x 24,3 cm

Número de Páginas: 120 páginas. 65 fotografías, Tapa dura. Encuadernación holandesa.

Donde Comprar:

Página oficial: Click acá

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Zurumbático

Fotolibro Venezolano - Zurumbático - Luiz Cobelo-21.jpg

"Había perdido en la espera la fuerza de los muslos, la dureza de los senos, el hábito de la ternura, pero conservaba intacta la locura del corazón". - Cien años de soledad

El fotógrafo Venezolano Luis Cobelo hace una alusión visual a la obra mundialmente conocida Cien años de soledad  desde su propio ojo, como bien nos lo insinúa desde el principio el título de su trabajo; Zurumbático es concebido luego de una visita al pueblo originario de García Márquez, Aracataca, donde Luis decide embarcar un viaje fantástico para descubrir la magia y el misticismo de un territorio metafórico del Caribe al que García Márquez bautizó como Macondo.

Una imagen aérea que nos contextualiza, un mapa que nos invita a ser parte de esta travesía excepcional, un hombre que ahoga sus penas, un abrazo frío a un hielo, una sombra misteriosa, un gallo invencible, una máquina del tiempo, corrientes indescifrables y peces de oro, una mariposa amarilla que representa el amor, un hombre marcado y una mirada que hace un llamado.  De principio a fin este libro es un viaje maravilloso conformado por imágenes que evocan esa esencia misteriosa y enigmática de la obra original de García Márquez. Esto es posible gracias a una narrativa que roza el surrealismo en una suerte de proceso onírico a través de un lenguaje visual icónico que transmite una sensación de magnetismo. Las fotografías de este libro logran conmover a tal punto de sentir una profunda conexión con cada uno de los elementos que Luis retrata:  amor, soledad, esperanza, locura y melancolía, entre otros.

El color, la luz y todos los matices de cada fotografía, están vinculados a la naturaleza imprevisible del ser humano, a su espontaneidad, a la magia de los rincones olvidados, cada foto tiene una intensidad que la convierte en una historia atemporal con encanto contemporáneo. Se logra ver fantasía en situaciones comunes. Se logra ver el realismo mágico que te deja intrigado y con ganas de más.

La palabra Zurumbático sale de una de las tantas historias del libro. Según Luis, es alguien que comete tonterías, que está como atontado, aturdido, sombrío, melancólico, enigmático, medio borracho, medio loco y con mal temperamento, estos adjetivos definen ese mar de emociones del fotógrafo venezolano en medio del proceso de la creación de este libro que está marcado por una serie de acontecimientos en su vida: la muerte de su madre, una decepción amorosa, dar luz a este proyecto, entre otras, hacen que este trabajo haya germinado desde un lugar adolorido pero feliz. Desde la catarsis para curar heridas, para auto explorarse, reinventarse, para fortalecerse y seguir adelante.

De esta manera logró conectar el concepto del libro con toda la esencia latinoamericana, esta esencia que García Márquez cuenta al mostrar un pueblo marginado que se levanta después de una masacre, que es capaz de seguir siendo feliz a pesar de las heridas. Que es capaz de recuperarse y ver la cara más amable de las cosas. Así es como Zurumbático también nos invita a  olvidarnos un poco de las penas, a sentir una conexión con nuestro entorno e invadirnos de un sentimiento de amor hacia todo lo que debemos superar, Zurumbático es una celebración a la vida y a la muerte. Zurumbático es América latina invitándonos a llenarnos una y otra vez de esa magia que nos caracteriza en medio de los afanes y tristezas cotidianas. Todo puede ser llevadero cuando algo nos inspira; este libro ratifica que Latinoamérica sigue siendo la sal de la tierra, la fiesta del mundo.

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Una de las cosas más valiosas de la fotografía son sus infinitas interpretaciones; este libro cuenta con esta capacidad, las exageraciones, elementos fantásticos, los detalles demasiado subrayados y composiciones, pueden dejar sorprendido tanto a aquel que haya leído el libro de García Márquez como al que no. Es un libro para todos que construye el camino para que el lector recorra los pasos de los personajes, para que se transporte sensitivamente a ese lugar que inspiró esta historia.

Adicional a esto, el concepto de Zurumbático es tan amplio que permite llevar la obra a múltiples formatos como instalaciones, performance, tortas, piñatas, camisetas y hasta un video musical. Es interesante ver como el libro no se queda solo en objeto si no que trasciende a un plano multifacético que te dan ganas de explorar cada vez mas y mas. La imagen de la boca con los pescaditos de oro, se logra convertir en un icono de identidad, una imagen referencial de la obra que queda posicionada asertivamente en la mente del lector y ni hablar de la canción que es toda una oda a la fiesta latinoamericana. Es así que después de repasar tanto esta obra en todo su conjunto, Zurumbático  se ha convertido para mí en un estado, y es que quien no ha sido un Zurumbático alguna vez? o tal vez muchos vivimos siendo siempre unos Zurumbáticos de la vida, del baile, del amor ….

Y me pregunto qué viene ahora? estoy esperando con ansias ver con que nos va a sorprender Luis que al parecer es una caja llena de sorpresas.


Texto de Paula Thomas - Página Web - Instagram - contacto.paulathomas@gmail.com


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Datos de Publicación

Autor: Luis Cobelo

Editorial: Luis Cobelo

ISBN: 978-84-942245-7-7

País: Venezuela

Editor: Luis Cobelo.

Diseño: Jaime Narváez

Impresión: Grafilur

Medidas: 24 x 30 cm

Número de Páginas: 104 / Tapa Dura

Textos: Luis Cobelo

Donde Comprar:

Página oficial: Click acá

Nota 1: En el mes de Noviembre de 2018 el autor visitará Colombia y será posible adquirirlo directamente con él.

Nota 2: Si deseas consultar este fotolibro contáctanos a info@dobleespacio.com

Detrás del Sol

Fotolibro Español - SOL - RICARDO CASES

Desde la intensidad aparente escondida tras un diseño sencillo y atractivo, una portada formada por un circulo blanco sobre un fondo amarillo, repaso rápidamente en donde encuentro una figura similar. En “yellow” una escultura de Anish kapoor? , tal vez, una escultura de James Turrel? , no lo sé, en el sol?, es muy obvio pero posible. Defino rápidamente que no hay nada similar y encuentro algo atractivo y particular en esa sencillez que invita a descubrir el interior. Creo reconocer  rápidamente al autor después de dos ó tres fotografiás, una capa de luz inclemente que baña cada una de la imágenes y una áspera pero clara intensión de saturación de los colores, me remite directamente a fotógrafos con aquella carga explosiva singular, única, burlona; entran en la cabeza M.Parr, L.Tumbjork. B. Gilden, Pero hay una condición que me ubica y me acerca a definir quien es, y es el lugar. El espacio donde están generadas estas fotografías me ubican en sus trabajos anteriores. “Belleza de barrio” Fiesta Ediciones 2008   “La caza del lobo congelado” Fiesta Ediciones 2009   “Paloma al Aire”  Dewi Lewis Publishing (2011)  , y “el porque de las naranjas” MACK 2014.

Fotografiá repulsiva, directa y atractiva, es Ricardo Cases con su ultima  publicación  “Sol” Dalpine, 2017, que se podría definir a simple vista como una continuación de “el porque de las naranjas”, pero en si, se entiende como la fascinación del autor sobre el territorio en el que habita y al que pertenece, un fiel reflejo del verano levantino, encantador pero abrasador, y en donde de golpe reluce la intensión del fotógrafo sobre las formas indefinibles, inexplicables, chocantes, que alimenta con unas pocas imágenes mas reconocibles una estética destellante, saturación, planos cortos  cerrados, color y mas color van tejiendo un entramado de 10 desplegables  compuestos de 32 fotografías que a diferencia de trabajos anteriores no obedecen a una narrativa secuencial (foto a foto) si no a una unidad por forma y color, van conformando un discurso propio, un relato visual sobre la luz, sobre el color y el calor;  nunca lejos de su natal Valencia  recoge un pasar de paginas ágil, pero a la vez desconcertante, fluido porque el libro es ligero, con una tapa blanda y unas dimensiones de 21 x 29,7 cm, que contiene los desplegables y  que sueltos generan un pasar de paginas cómodo . Cases de una manera ágil juega con nuestro entendimiento, y nuestra percepción visual, lo que es y lo que aparenta ser, atrapándonos con un tipo de folclore contemporáneo, fotografiás apaisadas con cierto volumen generado por la luz y el color de un primer plano, un abuelo asfixiado por el calor, un perro que huye del ardor sofocante, plano cerrado a un coche amarillo intenso, fachada de un local que se ha quemado, son imágenes que nos trasladan directamente a esa dimensión, un andar del fotógrafo.

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Es imposible no hacer una referencia inmediata a su trabajo anterior “el porque de las naranjas” editado por Mack la particular editorial de libros inglesa, del cual según se ha dicho “Sol” es la continuación de esa primera parte. Aquí la referencia al levante es mas amplia, a su idiosincracia  mediterránea, a una forma de vida que por años estuvo ligada a la agricultura y que hoy se ve sustituida por una urbanización implacable, resaltando una constante lucha con los clichés, convirtiéndolos en formas exageradas, inexplicables absurdas pero coherentes en una unidad visual.

Cada fotografiá es un riesgo y cada fotografiá va ampliando el espacio formal donde otra situación cabe perfectamente en el plano fotográfico siguiente. En el libro la lectura de cada una de las imágenes nos remite a como leíamos los libros de los grandes paisajistas, una foto por cada página, haciendo imposible la conjugación de dos imágenes para generar otro significado, como si sucedió en Paloma al aire y en algunos desplegables de Sol,  Aquí cada fotografía se impone en su espacio único, una lectura clara que va marcando un ritmo cada vez mas pausado, pero por lo mismo mas interesante, y que invita a seguir descubriendo todo lo que sucede mas y más hasta el final. La aparición humana se ve destinada al mal hacer de los objetos y a los rasgos que como habitantes de un lugar equivocadamente generamos, marcando así de cualquier forma nuestro andar en un espacio, sea lo que sea lo que se busque, sea lo que sea a lo que se quiere llegar, de cualquier forma lo conseguimos, y ahí esta Cases, atento a dar vida a un nuevo significado a y esas maravillosas creaciones que se salen de todo lo correcto, que se separan de toda ortodoxia arquitectónica, física y utilitaria, para constituir un texto de lo absurdo, la decadencia de un paisaje.

En estos dos trabajos el ser humano no es un objetivo critico en el recorrido de la historia, pero si van apareciendo ciertos personajes retratados desde una distancia mínima, cercana, amigable, sincera, representados con dignidad en su hábitat, la mano del fotógrafo aparece si en esa distancia física y si en un encuadre, pero es en ese toque de luz que invade a la persona donde el fotógrafo emerge con cierta ironía,aseverando sus rasgos físicos y pronunciando sus defectos.

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Cases oriundo de Alicante (Orihuela) que comenzó su andar fotográfico como fotógrafo de prensa y por ende como paparazzi y hoy en día como autor y profesor, divulga en sol un pequeño pero concreto estudio elemental del levante, así tal cual como titula su ultima exposición retrospectiva , donde dispone en tres plantas una década de publicaciones. Pero sol no corresponde al viaje de un fotógrafo hacia la conquista y descubrimiento de nuevos territorios, característica esencial en la fotografís del el s.XIX y s.XX. Pertenece al viaje interior de un fotógrafo,  esa mezcla autoral con un nuevo documentalismo, intentando enfocar desde un paisaje cercano, intimo, hacia la convivencia con los demás.



Datos y enlaces externos sobre este fotolibro.

Datos de Publicación

Autor: Ricardo Cases

Editorial: Dalpine

ISBN: 978-84-697-8268-2

País: España

Texto: Luis López Navarro

Traducción: Aitor Arauz Chapman

Diseño Gráfico: Ángel Álvarez (Tipode Office)

Preprensa: La Troupe

Softcover
Loose bound with transparent sleeve
10 fold-outs

Medidas: 21 x 29,7 cm

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com

¿Que hizo el odio?

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Amos Tutuola (1920 - 1997) escritor nigeriano, publica en 1954 “My Life in the Bush of Ghosts” (traducida al español como “Mi Vida en la Maleza de los Fantasmas”) dos años después de haber publicado “The Palm-Wine Drinkard” obra que le valió el reconocimiento internacional.

Cristina de Middel (1975) fotógrafa y artista española, publica en 2015 “This is what Hatred did” (“Esto fue lo que el Odio hizo”)  tres años después de haber autopublicado “The Afronauts”, obra que le valió el reconocimiento internacional.

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¿Y… porqué estamos hablando de esto?

Primero porque de Middel toma la frase final del libro de Tutuola para titular el suyo y segundo, porque decide crear un híbrido entre los dos. En sus palabras, “Mi intención es animar a la gente a leer ese libro, pues es sin duda una de las historias más sorprendentes que he leído, pero también quería documentar un barrio de Lagos que siempre se queda reducido a aspectos superficiales y estéticos en los medios. Es un intento de documentar un lugar incluyendo el marco cultural y místico de la mentalidad del lugar”.

Con un formato vertical, el libro incluye en la cuarta parte superior el texto de “My Life in the Bush of Ghosts” y reserva las tres cuartas partes restantes para su obra.  El inicio de la obra literaria ocupa la totalidad del formato a manera de introducción, para un par de hojas más adelante reducir el tamaño de letra del texto e independizar las obras.  Los cuadernillos se encuentran despegados del lomo, lo que permite apreciar el estampado vegetal de las guardas “que simboliza esa maleza impenetrable e incomprensible” y que “(…) son elementos que ayudan a entender y experimentar la historia y mi interpretación sobre ella, con matices que van más allá de las fotos en sí.” 

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A manera de referencia, este mismo estampado se repite sobre telas que sirven de fondo en el montaje de las exposiciones de esta serie.

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“… I was too young to know “bad” and “good”…”

“… era demasiado joven para conocer “malo” y “bueno”

 

En la historia de Tutuola, un niño de siete años, entra en la “maleza de los fantasmas”, entendida esta como el bosque o la selva de los muertos.  El autor recurre a los mitos y tradiciones yorubas propias de la región para narrar en primera persona las aventuras de este niño durante los treinta años que permanece allí.  La frase que antecede este párrafo se repite muchas veces al iniciar la historia: su infantil ingenuidad hace que no sepa en que se está metiendo.

De Middel por el contrario, probablemente si sabía en que se estaba metiendo.  En una entrevista reconoce que a raíz del éxito de “Los Afronautas” empezó a recibir libros para ampliar su conocimiento sobre Africa (continente desconocido para ella hasta ese momento) y entre ellos estaba el de Tutuola. En el año 2013 es invitada al Lagos Photo Festival en Nigeria, durante el cual conoce Makoko, un tugurio flotante en cercanías de Lagos.  En palabras de ella “Es un sitio bastante miedoso, y sentí que tenia mucha similitud con la Maleza, este sitio mágico y prohibido en la selva.  Decidí que Makoko se prestaba como una gran metáfora para la Maleza.”

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Aquí un video con las fotos, algunas incluidas en el libro, otras no.

¿Cómo llegó a eso?

A nivel de concepto, este libro cuenta con un atractivo adicional: De Middel incluye bocetos en los cuales nos permite ver tanto su proceso creativo, como la planeación de las fotografías mismas.  Valioso y generoso detalle.

¿Pero, al fin que fue lo que hizo el odio?

Amos Tutuola fue hostigado en su país por considerar que mostraba una cara poco conveniente de Nigeria frente al mundo, incivilizada, violenta y supersticiosa.  La frase final que da título a la obra de de Middel, es la explicación última del porqué el protagonista debió vivir treinta años entre los muertos, sustentado desde el inicio en la relación con su familia.  Se podría considerar un relato fantástico, a manera de los cuentos de los hermanos Grimm, en los cuales siempre había un personaje “malo” que por odio desencadenaba una serie de eventos desafortunados con final feliz. 

Cristina de Middel acierta.  Contrario a lo que se podría pensar si se quisiera, en mi criterio no está ilustrando la historia de Tutuola, no hay coincidencia entre el texto y las imágenes, no hay coincidencia en las narraciones.  Hay una excusa para representar de manera metafórica la realidad de un suburbio africano, que puede estar también a la vuelta de cualquiera de nuestras esquinas. Con abandono, con sufrimiento, con dolor, con incertidumbre, con desesperanza.  De Middel describe la locación como “bastante miedosa”, porque el miedo es parte de lo que hace el odio.  Se teme aquello que preferimos considerar una pesadilla, pero que es real y está frente a nuestros ojos y que muchas veces evadimos mirar.  Hoy en día el acceso a la información nos permite abrir los ojos a la miseria humana que ha hecho el odio, ya no particular sino general.  Asumir la responsabilidad de mostrar (cada uno desde su propia subjetividad) la realidad circundante, hace grande a un fotógrafo.  Grande de Middel; una vez mas, la realidad supera a la ficción.

A manera de digestivo

Brian Eno (1948) compositor, músico y productor inglés, y David Byrne (1952) compositor, músico y productor escocés, publican en 1981 “My Life in the Bush of Ghosts”, años después de contar con reconocimiento internacional.  El album fue pionero en mezclar voces, sonidos y ritmos africanos e islámicos con música electrónica y fue seleccionado en diferentes listas como uno de los mejores de la década de los ochenta.  La fotografía de la carátula fue creada por Peter Saville, director de arte inglés.

Más allá del título, el album no guarda relación alguna con el libro de Tutuola, pero a ambos músicos les pareció que “encapsulaba aquello de lo cual se trataba la grabación”. En el presente caso, el album no guarda relación alguna con el libro de de Middel, pero puede ser la banda sonora apropiada para leer y/o mirar el libro.

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TEXTO DE RENATA GOMEZ - rengomez@gmail.com 


Datos y enlaces externos sobre este fotolibro.

Datos de Publicación

Autora: Cristina de Middel

Editorial: RM + AMC Books

ISBN: 9788416282272

País: España

Medidas: 23×18 cm.

Número de páginas: 176

Donde comprar:

En Bogotá: Fondo de Cultura Económica.

Y tú ¿Por qué eres negro?

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A los 11 años, el español Rubén H Bermúdez  tuvo consciencia de que era negro y sintió miedo. En ese momento, las noticias hablaban del que fue considerado el primer asesinato racista de la España democrática; la muerte de Lucrecia Pérez, una mujer inmigrante afrodominicana a manos de un guardia civil en Aravaca (Madrid) en  pleno 1992. Varios años después, al salir de un taller académico sobre foto libro, cuyo tema era el recuerdo, Rubén tuvo una epifanía y ese mismo día decidió crear un blog que luego se convertiría en el foto libro “Y tú, ¿por qué eres negro?

Y tú, ¿por qué eres negro?” (2017)  parte de imágenes de archivo, el álbum familiar, publicidades, mapas, ilustraciones y pequeños textos autobiográficos para reconstruir el universo, la memoria y la identidad  afroespañola del autor. Rubén recuerda por ejemplo,  cómo cuando sonaba Michael Jackson sus amigos le pedían que bailara, o cómo ha sido su relación con el pelo, con las mujeres o con los temas que no se tocaban. Despacio, al pasar de las hojas vemos a un autor que a medida que nos muestra imágenes relacionadas con su infancia y adultez, nos habla sobre el racismo y las “sutiles” y constantes formas  en las que este aparece a lo largo de su vida. Cada capítulo del libro nos muestra cómo crece él físicamente a la par de su consciencia y orgullo por su identidad.

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Este foto libro nos relata un proceso mental, una evolución; la de un hombre que se reconoce a sí mismo y está dispuesto a luchar por ello.

Entregar esta obra al mundo ( y liberar su pdf ) es parte de esto. Cómo él mismo dijo en la presentación de su libro en La Fabrica y que Rubén Arribas y Laura Caorsi publicaron en la red: “Los blancos lo reciben como un aprendizaje o una patada. En cambio, a los negros, les llega como lo que necesitan: un abrazo.”

Y sí, para mi este libro, que nunca es directamente agresivo ni recurre a imágenes dolorosas y que incluso tiene algo de humor, nos hace sentir vergüenza y culpa a medida que vamos fisgoneando el mundo de Rubén. Sus imágenes, secuencias y narrativa nos terminan cuestionando sobre nuestro lugar en este planeta y sobre nuestras relaciones con los otros, nuestros prejuicios y los posibles gestos racistas que consciente o inconsciente hemos tenido a lo largo de nuestra vida.

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Este es entonces, un foto libro necesario y pertinente, porque es la voz de alguien hablándonos desde su propio universo, contrario a lo que estamos acostumbrados históricamente;  o sea a la mirada del hombre blanco sobre todas las cosas, pueblos, etnias o géneros. En este mundo, donde de la mano de la derecha va en auge el racismo, estas voces son fundamentales para resistir, denunciar, confrontar y para recordarnos, entre otros, lo obvio: Que el planeta es,  afortunadamente, un lugar diverso y que a África y a su diáspora le debemos mucho.

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Mientras veía “Y tú, ¿por qué eres negro?” pensaba cómo sería ese foto libro hecho por un afrocolombiano. ¿Cuáles serían sus recuerdos? ¿Qué imaginario de la publicidad, la tv y la historia reconocería? ¿Cómo contaría la discriminación racial en este país?

Y sin ir muy lejos,  ¿cómo sería contado por una mestiza como yo? ¿por una mujer latina? o ¿por un indígena? ¿por una persona trans? En fin, este libro me hizo extrañar y desear conocer más miradas de quienes históricamente han sido reprimidos y discriminados.

En  Colombia, la artista plástica Liliana Ángulo ha construido desde distintos lenguajes un trabajo muy interesante que reflexiona sobre el ser afro colombiana y el racismo. Cada vez más, los pueblos y los individuos afros de Colombia se organizan y se hacen escuchar, sin embargo todavía hacen falta más voces, espacios y financiación para ellas.

Algunos fotógrafos como yo, nos hemos inmiscuido en sus realidades y en esos cruces, hemos buscado entender y alzar nuestra voz a la espera del encuentro de más miradas y futuros diálogos.


CAROLINA NAVAS - carolina.navas.g@gmail.com - Página web


Datos y enlaces externos sobre este fotolibro.

Datos de Publicación

Autor: Rubén H. Bermudez

Autopublicado

ISBN: 9788461796908 

PAÍS: España

Medidas: 23×18 cm.

Número de páginas: 240

Diseño: Koln Studio

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com