KARMA

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El libro de Oscar Monzón es una interpretación fotográfica del diario de andar en coche en una ciudad como lo es Barcelona. Por medio de sus imágenes explora lo grotesco, masivo y repetitivo que este transporte produce, así mismo llega de una manera invasiva a la intimidad de los sujetos a los que fotografía.

Se convierte entonces en una recopilación de imágenes que muestra el temor del sujeto ante la cámara. Al pasar las paginas deseo mirar más, ver a donde este autor me puede llevar. Observo miradas vacías y rostros que no puedo reconocer, así como sucede en la calle y el transporte masivo, es muy difícil ver un rostro dos veces… Incluso al que se es ajeno.

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Es así como Oscar Monzón con una cámara y un flash logra crear una atmosfera completamente llena de destellos de luz y miradas incomodas. Lo relaciono como un espía del quehacer cotidiano. Este libro aporta en cuanto a la manera editorial, con respecto a cómo se construye un libro, la forma de innovar a través del material, papeles, portada, orden de las imágenes, construcción visual y conceptual. Así, Monzón llega a contarnos a través de este ejemplar la historia de una Barcelona distópica donde andar en automóvil es tremendamente incomodo y masivo. El brillante metal del carro concuerda con sus paginas, el destello fugaz de quedarse parado y perplejo al ver el movimiento interminable de la ciudad lo cual me referencia a los automóviles, la represión de quedarse atrapado en un trancón que parece no tener salida. KARMA, ganador del ‘’First Book Award 2013 Paris Photo y Aperture Foundation’’, se vuelve un estudio del ser humano a través del vehículo.

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Las imágenes se vuelven incomodas para el fotografiado, yo como espectador las disfruto; disfruto los gestos de estas personas que reconozco e imagino por medio de las fotografías que Monzón exhibe, violando ese espacio o zona de confort del ser humano y desafiando su privacidad.

Si los carros no son grotescos, Monzón los desdibuja y hace de ellos su propia película de ciencia ficción.

Carrozas y carros con rostros en su interior a punto de desaparecer, rostros de personas que observamos diariamente y difícilmente tenemos el privilegio de recordar. Me detengo a observar por mi ventana y veo un centenar de personas y medios de transporte pasar… me pregunto si de alguna manera la fotografía logra rescatar a estas personas de su cotidianidad para ponerlas en otro lugar, un lugar en forma de recuerdo en un mundo donde se vuelve cada vez más difícil recordar.

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De principio a fin

Al pasar la narrativa  empiezo a sentirme en un estado de vulnerabilidad, como si fuese una relación de amor y odio de la cual me resulta difícil escapar e inmerso en ella me muevo como en una especie de vehículo del cual no es fácil liberarme. Observó la multitud y las miles de personas que hay a nuestro alrededor, todas esas personas son centenares de posibilidades para un ser humano que solo se mueve por existir y que suele justificar sus acciones, las mismas que si para el son justificables entonces simplemente existen. Es así como Monzón en una especie de acercamiento y descubrimiento fotográfico rompe la distinción entre el bien y el mal a manera de justificación sobre sus imágenes.

Lo serial y repetitivo

Con el pasar de las páginas empiezo a comprender una especie de serie al observar los carros desde arriba, como una especie de acosador callejero.

Acerca de sentirse infinito

El visual de Monzón me transporta a un montón de posibilidades cuando veo un centenar de automóviles como estrellas. Así mismo desde mi perspectiva estos crean una galaxia acerca del mundo cotidiano.

Es el conjunto de luces de carros, una constelación repleta de posibilidades, muchas vidas que en algún momento se logran apagar.

En una esquina de un edificio, a manera de reflexión, observo luces pasar como si de alguna manera esta rutina no tuviese fin. Me transporto a mi ciudad, Bogotá, donde desde la carrera séptima día y noche veo luces fugases pasar al estar inmersos dentro de un vehículo, como si este fuera un circulo constante de desagrado y agrado. 

Un ritmo de luces que continua sin parar como fiel representación del transito y el pasajero en el. Destellos de luz invasiva se refleja sobre mis ojos, imágenes duras de digerir y ver como rostros que ocultan su identidad en contraposición de rostros grotescos con una mirada peculiar hacia Monzón.

Es así como KARMA se convierte en una poética del individualismo y temor propio del ser humano mostrándonos rasgos escalofriantes y grotescos del mismo ser, siempre poniendo las miradas perturbadoras y resignificándolas al sentirse infinito en una sociedad donde todos somos estrellas individuales que componen una misma galaxia pero aun así no dejando de colisionar.

Luces y sonidos a mi alrededor, caras que observo inconscientemente como atento a aquello que es la realidad. Lugares y no lugares, me hacen sentirme infinito.


Texto de Sebastián comba - sebastiancomba.studio@gmail.com

Fotografías www.oscarmonzon.net


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Datos de Publicación

Autor: Oscar Monzón


Tamaño: 21X30cm
128 páginas
69 fotografías
ISBN: 979-10-90306-25-7 

¿Donde comprar?

RVB-BOOKS

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com 

Rimas de Reojo

REBECCA

Rebecca Norris Webb un nombre desconocido durante muchos años para mí y para muchos fotógrafos cercanos; recuerdo al fotógrafo Stephen Ferry durante un taller de la FNPI mostrando una fotografía de unos niños en un parque, el rojo llamativo a simple vista, pero al dar una lectura a la fotografía aparece una escena caótica, inverosímil por la cantidad de capas, también por la cantidad de planos en un mismo frame. Se trataba del esposo de Rebecca, Alex Webb, un Magnum, una deidad.

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ALEX

Me obsesioné con el trabajo de él y por un tiempo estuve disparando en la calle con sus líneas, con su color en mi cabeza, pensando con un ojo que no me pertenecía, pero que en su momento terminó influyendo de manera definitiva en mi trabajo; de cualquier manera, nunca se podrán desligar los referentes, ellos siempre están presentes acariciando el momento de creación. En esos ires y venires mirando trabajos de fotógrafos de agencias, me topé con el nombre de Rebecca y me tomó un buen tiempo entender la razón porqué muchas de las fotografías que creía de A.W pertenecían a ella, a Rebecca, fotógrafa y poetisa.

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RIMAS DE REOJO

No puedo ocultar que los libros con tapas y lomos cubiertos en tela se me hacen tan acogedores que inmediatamente quiero ver su interior; éste lo encontré a finales del 2018 en la tienda del MAMM (Museo de Arte Moderno de Medellín), era el único ejemplar existente en toda la ciudad. Para ese entonces ya conocía el trabajo de ambos.

Rimas de Reojo es un fotolibro íntimo de Alex y Rebecca, combina lugares que ambos visitaron con intenciones claras, pero también, propone encuentros desde la imagen en los andares de cada uno.

Levantar la tela es darle vuelo a la paloma de la fotografía pegada en portada y dar aire libre a una cita de la poeta Emily Dickinson y otra del pintor Giorgio de Chirico yuxtaponiendo los referentes de A.W y R.N.W, marcando así la estructura de secuencia del fotolibro. El papel mate y el acabado brillante levantan las fotos que sin duda aportan mucho a la homogeneidad del color del trabajo de Rebecca y el de Alex.

El libro tiene una construcción clásica y por momentos se vuelve monótono, sin mencionar que desde la diagramación se ve un libro completamente rígido, saliendo levemente del esquema a causa de la dirección en vertical de las fotografías.

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EL CORAZÓN DEL LIBRO

El latir lo ponen los dos. Cuando paso una página tras otra éstas se enfrentan en, casi siempre, dos fotos, que por más opuestas en su narración dialogan entre sí, concibiendo armoniosas atmósferas, llenas de plantas y animales, fotografiados por la poetisa Rebecca que sin mayor intención terminaron dialogando con las cargadas composiciones urbanas/humanas de el fotógrafo Webb.

El inicio habla del nacimiento del amor de ellos y de cómo éste influyó de manera espontánea en sus fotografías. A medida que se avanza se llega a los tonos azules de Cuba, pasando por la profunda tristeza de Rebecca por la muerte su hermano y de cómo pensando en él, fotografiaba paisajes en Dakota. ¨Cuán rico este vacío. Me siento extrañamente en casa¨ le escribía en un mensaje a Alex mientras él se documentaba el festival  de Kumbh Mela en India. El cierre, es la misma fotografía de la portada, terminando el vuelo de la paloma, dejando  atrás poemas en fotografías y palabras.

La fotografía envilecida dos siglos atrás por las artes y hoy democratizada, genera escenarios de debates que con el pasar de los días se van transformando. Uno de los espacios que está empezando a cambiar es el del discurso misógino esbozado por fotógrafos en el que había poca cabida para la palabra: Fotógrafa. Nuevos proyectos, colectivos y discursos están surgiendo, abriendo posibilidades más equitativas dentro del gremio fotográfico.

Es evidente que la gran obra de Rebecca es y ha sido opacada por la de Alex; no por culpa de su esposo, por culpa del mismo circuito.

Siempre habrá poesía, mientras que la foto tenga alma.


Texto de Sebastian Villegas - svillegasfoto@gmail.com

Fotografías LA FABRICA


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Datos de Publicación

Autores: ALEX WEBB & REBECCA NORRIS W.


ISBN: 9788416248940

Número de páginas: 104

Tamaño: 20x24 cm

Fotografías 82

Idioma: Español

Encuadernación: Tela

Diseño: Underbau

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EDITORIAL LA FABRICA

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com 

UFO Presences

UFO Presences - Fotolibros - Javier Arcenillas

Corre el año de 1947. Kenneth A. Arnold, aviador y negociante, hizo el primer reporte del avistamiento de un Objeto Volador No Identificado, si, vio un OVNI, o en su equivalencia anglosajona UFO, Unidentified Flying Objetct. Previo a la foto de Arnold hay una ilustración que capta a la perfección como un hombre con sombrero huye despavorido mientras el otro se toma el tiempo para ver el objeto, probablemente sea abducido, pero tal vez no importa, una experiencia de estas puede cambiar la vida, en especial si eres incrédulo.

Es 30 de julio de 1964. La firma Alliance Scoutcraft entrega los planos del objeto volador que describió Bob Ranaud, tal como lo recordó de su experiencia de abducción. El diagrama muestra las cubiertas inferior y superior, no quiero quitar los meritos creativos de las películas modernas de sci fi, pero sus naves se basan en estos esquemas. En la ficha técnica hay un numero serial: SR-427-N.

UFO Presences - Fotolibros - Javier Arcenillas

Los OVNIS, al igual que el Yeti o el Chupacabras, son parte de la cultura popular. Recuerdo cuando vi los X-Files y estaba plenamente convencido de la teoría conspirativa de Fox Mulder: un plan de dominación alienígena. Esto no es gratuito, gran parte de la responsabilidad esta en el Doctor Jiménez del Oso. Si el nombre no es significativo talvez su programa si, se llamaba Lo Desconocido. Cada episodio Jiménez del Oso hablaba de esos fenómenos que desafían la lógica y entran en el reino de la metafísica, visitado por escritores como J.J. Benitez y Charles Bertlitz.

Javier Arcenillas propone en UFO PRESENCES no solo un recopilatorio de encuentros con estos Objetos Voladores, propone una experiencia visual en la que el ojo salta sacadicamente entre planos, esquemas, retratos, secuencias y paisajes. Su intención no es otra que incorporar el como la creencia en ellos los ha llevado a la cultura popular y convertirse en referencia obligatoria para restaurantes, series, películas y novelas de ciencia ficción ¿qué pensara H.G. Wells de todo esto? Su intención era cuestionar el accionar bélico frente a los países colonizados, pero, como siempre, la referencia se desbordo cuando otro Wells, Orson Wells, hizo aquella transmisión radiofónica de La Guerra de los Mundos y puso a todo el país con los nervios de punta.

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Arcenillas nos transporta con sus imágenes, sus fotos, a la manera de una película de carretera. Un documental al que solo le falta el sonido. Cada pagina evoca algo similar a lo que pasa en un tablero de corcho en el que fijo los instantes mas significativos de vida. Cuando se emprende un viaje por carretera es inevitable el coleccionar volantes, registros y atmósferas que te saquen de la zona de confort, que hagas un recorrido furtivo a lo inexplorado.

El uso del color esta regulado por sensaciones, es decir, que el ojo se transporte, que haga una inmersión en los intersticios de la incredulidad y comience a enviar los impulsos correctos a todos los lóbulos del cerebro para que los OVNIS se manifiesten como verdades absolutas. Precisamente veo esta frase: “A Lumber of news men and Experts suggested that i might have been seeing reflections or even mirage” ( Un número de periodistas y expertos sugirieron que podría haber estado viendo reflexiones o incluso un espejismo.)

Viendo nuevamente el contenido, la manera en que esta estructurado me recordo el proceso de investigacion del filosofo Walter Benjamin. Benjamin usaba con frecuencia la nocion de yuxtaposicion, en el campo arquitectónico, la yuxtaposición se establece claramente opuesta a lo que se conoce como singularidad. Esta, por su parte, es la acción que llevan los profesionales teniendo claro que la composición se debe centrar en un único tema. Este además debe ser absolutamente independiente, debe transmitir cierto énfasis y en absoluto debe contar con el respaldo de otro estímulo de tipo visual. En otras palabras generar relaciones con diversos tipos de estimulo asociados a un mismo tema. Este es el aporte mas relevante del libro, además de la enorme documentación encontrada.

El simple hecho de que inicie con el esquema de las cubiertas superior e inferior de un OVNI ya marca una diferencia notoria, estas ingresando vertiginosamente a este alucinante viaje. Lugares como el Área 51, Deaht Valley, Nevada, Roswell, Route 66; tienen algo en común para la mirada de Arcenillas: son lugares marginados, solitarios y olvidados. Pero el manejo de la temperatura en las imágenes parece darles una apariencia distante del abandono, son fragmentos vividos de un viajero que, al igual que el fotógrafo del cuento de William Gibson “El Continuo Gernsback”, captura los fantasmas semióticos de la edad dorada de la ciencia ficción.

En lo que respecta a la diagramación es notorio el uso de una pauta que busca, mediante las rupturas, crear momentos en los que la mirada concentre su atención en puntos de tensión estratégicamente ubicados acorde a nuestro sentido de lectura. De igual forma las cajas de texto se justifican armónicamente y el uso tipográfico mantiene el concepto periodístico de la crónica. Todos los estímulos vistos en este libro están perfectamente sincronizados para vivir una experiencia que supera con creces a los episodios de Alienígenas Ancestrales y los falsos documentales del canal Discovery. 

Al finalizar noto en una lamina puesta en el forro plástico que este libro ha sido galardonado en el sexto concurso Fotolibro RM, lo cual confirmo plenamente, muy merecido y muy recomendado para quienes disfrutan de un buen documental sobre este tema.


Texto de Boris Greiff, Diseñador Gráfico y Autor del fanzine de ciencia ficción Ficciorama - - ficcifanzine@gmail.com


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Datos de Publicación

Autor: Javier Arcenillas


ISBN: 978-84-17047-28-3

Páginas: 116

Formato: 24´5 x 19 cm.
Diseño: Köln Studio

Encuadernación: tapa dura con anillas

Idioma: Inglés

País: España

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Editorial RM

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com 

DONDE NO PUEDAS VERME

“En esta casa siempre hablaban de ella, de cómo tenían que estar atentos a su mirada, si ponía ojos grandes, debías mantenerte callado, si movía los ojos a un lado, era hora de marcharse de inmediato; pero si te miraba fijamente, era mejor salir corriendo”

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“Reescribir una historia”, Recontar para comprender y entender los detalles que se nos escaparon, como el  sueño apenas comprensible, y la búsqueda de contarlo para esclarecerlo, o la pesadilla de la noche anterior, que nos desconcertó tanto que es necesario hablarlo para que no se quede adentro.

En cada página Saraí Ojeda nos plantea un viaje de regreso a la infancia, tocarlo es una inmersión  al origen de nuestros miedos, desempolvar el espejo donde no queremos mirarnos, abrir las cortinas de la casa vacía y volver a tomar a las muñecas que siguen reclamando que alguien las peine. Con una mezcla de realidad y ficción nos habla de un sueño que se tornó pesadilla.

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El FotoLibro inicia con un folleto de imágenes de archivo, los recuerdos como augurios colocados al comienzo, el dialogo comienza con el desconcierto, donde deberían estar las memorias de infancia, se encuentran borrones y tristezas enmudecidas. Imágenes intervenidas por manuscritos rayados, como metáfora de la confrontación y el maltrato de la memoria.

La entrada de la casa se abre y “Donde no puedas verme”, nos narra la historia familiar de la generación de cuatro mujeres que habitaron la misma casa,  bisabuela, abuela, madre y la hija; la autobiografía de Saraí Ojeda, una cicatriz del linaje materno como un lecho de represión y sofocamiento. Envuelto en papeles indefinidos, autoritarismo, y pérdida de identidad.

Los claro-oscuros prevalecen desde el inicio. Las sombras, como los retratos, son inquietantes, cada imagen nos piden que las observemos y la cuestionemos, en contraste las intermitentes luces nos hablan de la dualidad, en ese lugar oscuro también habían refugios y escapatorias.

El reto de llevar un proyecto personal y pensarlo como un objeto que guarde una experiencia vivida supone dos retos, según nos plantea Saraí, “El del proceso de materialización del objeto y el reto personal para poder contar una historia. Hacer un FotoLibro no es algo fácil, tienes q pasar por un proceso. El mío me llevo 4 años, tal vez más, si tomas en cuenta que vas asimilar tu propia historia, llevarla a la fotografía y hacer una edición después de ese proceso. Finalmente viene la parte material a donde necesitas tomar decisiones sobre el tamaño, el formato, el diseño, y finalmente el financiamiento. No es algo que puedas resolver solo, y tampoco es sencillo. Se requiere de apoyo de muchas personas, el proceso de trabajo con Ana Casas y Ramón Pez y los revisores fue fundamental, el intercambio de ideas y experiencias hicieron que el discurso fuera contundente”.

Los textos que componen la obra me parecieron muy sutiles y poderosos,  parte fundamental de la historia. La narrativa es descriptiva y nos envuelve en el espacio y el tiempo al mismo tiempo que nos genera sensaciones, sugiere vivencias cotidianas que encierran múltiples significados. Se conjuntan en un cuadernillo que finaliza el FotoLibro y nos abre la puerta para continuar asimilando la historia aun después de terminar de verlo.

En una visita a la Hydra, sabía que era un objeto con un proceso pensado y al mismo tiempo un resguardo de mucha sensibilidad. Sus imágenes, edición, materiales e impresión me parecieron de muy buena calidad. Al hojearlo, me sentí en la casa que no habité, pero que era la mía. Ahí también nacieron mis miedos. Yo también me cubrí en sus sombras.

Llevar un proyecto fotográfico a Fotolibro

Un cuestionamiento común en los fotógrafos es cuando es pertinente llevar un proyecto a Fotolibro, según la  experiencia de la autora nos lo describe como complejo y muy introspectivo, una tarea continua, donde al mismo tiempo que elaboras un objeto piensas en su contenido, que continúa creciendo y madurando, tal vez incluso después de terminar el Fotolibro.

“En el fondo, siempre supe q tenía q ser un libro, y convertirlo en ello fue un proceso mucho más profundo y enriquecedor porque la historia se fue construyendo a partir de los recuerdos, pero también del día a día, de lo q aún estaba ocurriendo en el momento”

DONDE NO PUEDAS VERME, es un fotolibro de 106 páginas, de producción offset coordinado por INFRAMUNDO, proyecto de Hydra, por Ana Casas Broda, José Luis Lugo y Ramón Pez.


Texto de Mariceu Erthal - instagram - mariceufotografia@gmail.com

Imágenes: Mariceu Erthal


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Datos de Publicación

Autora: Saraí Ojeda


Editorial: INFRAMUNDO

ISBN: NA

Diseño y edición: Kalev Erickson

Año: 2018
Tamaño del libro : 13,5 x 19,5 x 1 cm 
Número de páginas: 106 
Impresión en offset 
Intervención hecha a mano por el autor en la portada

País: Mexíco

¿Donde comprar?

Editorial INFRAMUNDO

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com 

EL MAYOR ESPECTÁCULO DEL MUNDO / THE GREATEST SHOW ON EARTH

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Este fotolibro impreso en papel periódico fue producido como memoria de la exposición que lleva su mismo nombre EL MAYOR ESPECTÁCULO DEL MUNDO realizada en Julio del 2018 por el Ayuntamiento de Madrid, el Centro Cultural de la Villa y PHotoESPAÑA con la curaduría de Kalev Erickson para conmemorar el 250 aniversario de lo que se considera el nacimiento del circo moderno.

El libro, como la exposición, está compuesto de imágenes del Archive of Modern Conflict, una organización fundada en 1991 que inició como coleccionista y conservacionista de fotografías de la guerra y el conflicto, pero que a lo largo de su existencia ha expandido sus intereses para convertirse en una de las más vastas colecciones privadas de fotografías, objetos, artefactos y curiosidades de todo tipo para la preservación de la memoria visual.

Entre mis manos tengo el ejemplar Nº 53 y al abrir sus páginas de periódico, como un diario de noticias siento escuchar con el lenguaje grandilocuente del circo: “Entren, vengan a ver el MAYOR ESPECTÁCULO, JAMÁS NUNCA antes visto. Las peripecias MÁS ASOMBROSAS, las bestias MÁS FEROCES, osos polares, elefantes, tigres y delfines bajo nuestra GIGANTESCA carpa.”

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Así como los gabinetes de curiosidades o los cuartos de maravilla del Renacimiento que reunían objetos exóticos de todos los rincones del mundo; El circo, con su abundancia de rarezas y su extraordinario mundo de fantasía, significó en el Siglo XIX una forma de conocer el mundo y de ahondar en las extrañas manifestaciones y capacidades del ser humano.  Antes de iniciar su decadencia a finales de los años 50´s con el desarrollo de la televisión y el cine, el circo significó la enciclopedia visual y emocional más espectacular de la historia de la humanidad.

Musaeum Franc. Calceolari iun. veronensis (1602)

Recreación del Gabinete del Museo de Curiosidades del anticuario danés Ole Worm por la artista Rosamond Purcell.

¿Qué puede un hombre? La pregunta por la proeza y el desafío humano parece subyacer en las imágenes del fotolibro. Mientras en el deporte convencional los atletas se enfrentan unos con otros en un ritual  de competencia, en el circo, la única competencia que existe y el único enfrentamiento es el del artista consigo mismo: llegar al límite de sus posibilidades.

Si las artes del circo transmitieran algún mensaje aparte de todo el derroche de energía que allí se despliegue, este sería sin duda, que el ser humano tiene la capacidad de sobrepasar sus límites naturales sean medianos, grandes o inmensos. Tiene la capacidad de asombrarse y causar asombro viviendo sus propios sueños: Volar, ascender, dominar la velocidad, mantenerse suspendido, desafiar a la muerte, y las leyes de la física, comer cuchillos, ser lanzado por un cañón…Todo sin trucos y sin efectos especiales.[1]    

[1] Serrano Federico, “Breve Panorama del circo en México. Circo II, Leyenda y color”, Revista Artes de México Nº 84, 2007.

Continúo ojeando el libro y encuentro que está acompañado de una litografía numerada que muestra uno de los actos más aclamados de la historia del circo: “el hombre y la mujer cañón”, donde una pareja sale despedida por los aires tras el disparo de un cañón. Esta imagen me hizo recordar a mi diva de cabecera, la maravillosa Rosa Righter que performaba bajo en nombre de Miss Zazel y que en Abril de 1877 descendía al interior de un cilindro metálico para convertirse en la primera mujer bala de la historia.

LIBRO “THE CIRCUS 1870s 1950s” Editorial Tashen - Linda Granfield, Dominique Jando, Fred Dahlinger, Noel Daniel - Tapa dura en estuche, 25,2 x 38,2 cm, 544 páginas

Arrojada a 9,50mt de altura por un sistema de resortes que la lanzaba sobre una multitud asombrada, Zazel llegó a ser un éxito descomunal y llenó todas las arenas de Inglaterra y Estados Unidos reuniendo a por lo menos 20.000 espectadores al día que esperaban simultáneamente el éxito de su lanzamiento como el fracaso de su número.  De 50 cañones humanos, que han existido en la historia circense, 30 murieron durante sus actos. Zazel, sin necesidad de morir, terminó ganándose un espacio en la historia del circo y se convirtió en la heroína de todos los tiempos. Las multitudes estarían en primera fila igualmente ávidos de ver como ella salía ilesa o moría en el acto.

Esta insistencia en sobrepasar el límite ponen al circo en el lugar de la potencia por excelencia insistiendo en la pregunta, ¿Qué puede un hombre? Y de manera contrastada junto a la foto de la jovencita con su disfraz de bala para su número circense,  aparece una imagen de 1918 de mujeres fabricando municiones para las batallas de la Primera Guerra Mundial. Junto a la foto del hombre bala, imágenes de la superficie de la Luna en las exploraciones del 69, junto a los acróbatas suspendidos en el aire de la carpa del circo, una foto del CTI revisando en la calle el cuerpo muerto de un hombre estampillado en el suelo tras una caída aparentemente suicida. Junto a un oso encadenado para el show, un fotógrafo cuya cámara está completamente cubierta de abejas. La distribución deliberada de la imágenes en el libro va generando una lectura particular y contrastada en el espectador respecto al poder y al asombro.

Sorprende como la espectacularidad del circo dialoga con las fotografías bellamente coloreadas a mano y casi como souvenires de los fantásticos hongos de humo de las pruebas nucleares de los 50´s en el desierto de Nevada;  y junto a la foto de un caballo saltando a una piscina, cinco hombres sobre una montaña que parecen combatientes de la guerra civil española.

Las asociaciones frente a las imágenes son libres, pero parece insistente la pregunta por la potencia humana de sobrepasar los límites y cómo ese apetito por lo fantástico y lo espectácular que ha llevado a conseguir los mayores logros artísticos de la humanidad también se ha manifestado de la manera más destructiva posible transformando el súper hombre de la arena circense en el ring master de la catástrofe humana.


Texto de Adriana Rojas Pretel - adrianarojaspretel@gmail.com  

Imágenes: Jon F: Espitia B.


Datos y enlaces externos sobre este fotolibro.

Datos de Publicación

Autor: Kalev Erickson

www.archiveofmodernconflict.com


Editorial: AMC BOOKS

ISBN: NA

Diseño y edición: Kalev Erickson

Año: 2018
Número de ejemplares: 250 (primera edición)
Paginas: 44 + poster A3
Tamaño: 29 x 36cm + 40 x 32cm poster
Formato: Periódico compaginado.

País: UK

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com 

UMBRA

Nadie habrá dejado de observar que con frecuencia en el suelo y en las paredes aparece y desaparece repentinamente, se pliega, nos sigue, se curva, se inclina. Negarse a aceptar que nos pertenece pero no, es como negar el cielo.  Después se irá súbitamente y vendrá hasta poco a poco  enlazarse, crecer, expandirse y sabremos exactamente donde está, costará saberlo mientras no haya luz, pero se sabrá.

Ser absorbidos por una idea hasta conseguir transportar a alguien, poder entrar en su imaginación, es algo que siempre me ha atrapado. La fotografía por su puesto contiene ese tipo de virtudes en donde la entrega, dedicación y la mirada del fotógrafo, su perspectiva del mundo, juegan el papel mas importante.

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Por lo mismo no siempre depende unicamente del esfuerzo del fotógrafo, y mas si este ha sido llevado a un libro. Son cosas que aparte del trabajo obedecen de las cualidades físicas del objeto, en este caso, el tamaño, materiales, la portada, y por su puesto la luz que pueda existir en el lugar para verlo con tranquilidad y como no, la disposición del observador. En UMBRA la experiencia se originó de una manera poco habitual, pues el tamaño del libro (35x26cm) y el no tener portadas rígidas hizo que comenzara sin darme cuenta por cualquier lugar, con la sorpresa de encontrar algunas fotografías a color y en b&n acompañadas de unas paginas casi cerradas (unidas en la parte superior) conteniendo unos poemas que en el momento no me detuve a leerlos, y que lo único que hicieron fue hacerme pensar en “tengo que volver a verlo” y no solo una ni dos, si no varias veces.

Por tanto, creo que la mayoría de las veces que hablamos de un territorio determinado, se nos vienen a la mente millones de imágenes relacionadas con ese lugar. Imágenes producidas y recogidas por nuestro cerebro para intentar clasificar como es y que hay allí. La única manera de alterar esas imágenes preconcebidas es, conociendo propia y fisicamente ese lugar, o que alguien en algún momento nos muestre o decida generar fotografías nada relacionadas con nuestra forma fija de determinarlo.

Es lo que sucede la mayoría de las veces que se piensa en Africa. Fotografías impulsadas por los medios de comunicación que solo alimentan una vez mas ideas hechas de como es este lugar. Preciosos paisajes bajo el sol del atardecer con algún nativo en contra luz, fila de elefantes caminantes, paisajes tipo National Geographic, todo en relación a como proteger un deseo turístico alimentado por un exotismo occidental. Y por otro costado imágenes relacionadas hacia lo que temer; el hambre, el genocidio y el VIH. Fotografías en b&n de niños con vientres hinchados y moscas rondando. Enseguida revienen fotógrafos como Sebastiao Salgado o Leni Riefenstahl que generaba algo parecido a un informe lineal de lo exótico, nada que no fuera noble y salvaje.

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Es así cuando el mas leve cambio a esos asentados códigos visuales pueden hacer surgir una nueva visión desde adentro, desde una distancia cercana, impulsados por recuerdos de una infancia vivida en Kenia.

Vivian Sassen genera UMBRA, una breve reflexión sobre la sombra que se mezcla con su manera de mirar y relacionarse con el mundo. Aquí la sombra yace con una importancia sugerida, con un significado diferente, no como un elemento que entra y desaparece en un encuadre, si no algo presente, casi como un recorte silueteado sobre la imagen y que sobresale en cada fotografía; la sombra se convierte en si misma en una entidad que desde el encuadre y la ejecución obtiene una personalidad.

Pero la sombra también tiene que ver con múltiples capas de asociación; el deseo de la fotógrafa a hacerla figura principal tiene que ver con el anhelo y la ansiedad y el miedo hacia la  muerte. En gran medida también es un reflejo de una posición política , sobre como miramos a los demás, que identidad tienen, a que etnia pertenecen, de que manera interpretamos y etiquetamos a la gente de un lugar diferente al nuestro. En gran medida Sassen revuelca ideas figurativas preconcebidas de como creemos que son. Con la sombra se van los  detalles y cualquier tipo de etiqueta. La sombra de una mano sosteniendo un cuadro azul nos remite a la vez a algo mas pictórico, transportándonos a cuadros de Malevich  por su constitución y sencillez o en si mismo por el uso único de dos colores negro y rojo, negro y amarillo.

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En el año 2012 Vivian Sassen publicaba Die Son Sien Alles. Un trabajo con el que establece una serie de preguntas sobre la manera de como nos vemos a nosotros mismos, y de como una sociedad abrazada por el capitalismo y la globalización  introduce elementos no propios que el consumo a arrastrado hasta sus orillas; adidas, nike, coca cola. Y como los restos de la publicidad, vayas, lonas, afiches han terminado  decorando el interior de las viviendas, peluquerías, villares o por simple utilidad, estos fragmentos han sido apropiados, para  ayudar a ocultarse del sol o simplemente para  no dejar pasar la arena a un lugar. 

En Umbra Sassen no fotografía de una manera documental, si no que plantea otra serie de interrogantes, y si bien el entorno es algo que acompaña el desarrollo del trabajo, las abstracciones y el juego continuo con la forma y la figura terminan siendo lo mas atractivo. Su relación directa con la moda emerge con sutileza y se aprecia en la conformación de algunas fotografías en las que el modelo podría ser cualquiera, simplemente en esos cánones de belleza también interrumpe desde la propia naturaleza, desde la gestualidad corporal, intentando no convencernos si no simplemente atribuyendo valor e intención a  formas sencillas que puedan llegar a contarnos algo.

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Datos y enlaces externos sobre este fotolibro.

Datos de Publicación

Autora: Vivian Sassen

www.vivianesassen.com


Editorial: Munchen

ISBN: 978-3-7913-8160-2

Páginas: 196
Medidas: 26 cm x 35 cm

País: Países Bajos

Año: 2015

Nota: Este fotolibro en Colombia no se consigue, sin embargo, si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com 

ON ABORTION

Tengo entre mis manos un gran libro gris. Me recuerda a los tomos de las enciclopedias antiguas o a una recopilación de archivos de la oficina de un detective. Me produce una sensación incómoda, como de estar husmeando en algo que no es mío, como si se tratase de un libro que no debería estar viendo, un libro que esconde algo turbio.

El gran título SOBRE EL ABORTO está tachado con trazos enérgicos. Puedo imaginar una mano rabiosa empuñando un lápiz y rayando sobre el título hasta que no se reconocen claramente las letras. El que voy a abrir es un libro prohibido, un libro que se negó, un libro indeseado por muchos. Debajo del gran título se lee un manuscrito: “Y LAS REPERCUSIONES DE LA FALTA DE ACCESO”. Puedo imaginar nuevamente una mano escribiendo con lápiz sobre la cubierta del libro, haciendo una declaración urgente.

En la esquina superior izquierda, una advertencia. “Una historia de la misoginia. Capítulo uno”. Prepárate, Luisa, porque esta historia es larga, pesada y oscura. Como el libro.

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La primera parte del trabajo está compuesta por una serie de imágenes de artefactos de aspecto antiguo y precario. Primero, dos formas fálicas de textura áspera, condones antiguos. “Debía doler”, pienso. Luego, una serie de objetos: algodones, agujas, pinzas, tijeras, jeringas y toda clase de objetos afilados cuidadosamente fotografiados sobre un suave fondo rosa pastel. Los objetos parecen sacados de una película de terror y la delicadeza de las imágenes resulta amenazadora.

Luego, un modelo anatómico del aparato reproductor femenino, sobre el mismo fondo. Hay algo que no encaja. Una aguja delgada y de apariencia interminable penetra la vagina, hasta atravesar violentamente las paredes uterinas. Se llama “el procedimiento de la aguja de tejer” y consiste en inducir el trabajo de parto introduciendo una aguja a través del cérvix y presionando el saco embrionario con la punta. De pronto, siento un incómodo pinchazo en el vientre. Trago saliva y paso la página.

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Repentinamente el papel, antes de un suave blanco hueso, se torna de un negro profundo, las fotografías monocromáticas, la tipografía impersonal. Magdalena, una mujer polaca de 32 años, narra su experiencia abortando ilegalmente en su país usando una combinación de Diclofenac y Misoprostol. En el ya familiar estilo de Laia Abril, el relato de Magdalena es reconstruido con fotografías que sugieren los lugares, los objetos y las situaciones descritas. “Fue absurdo y humillante al mismo tiempo” declara un pequeño párrafo bajo una oscura fotografía de la sala de espera de un hospital. Puedo comprender esa combinación de sentimientos.

Así se desenvuelve una extenuante sucesión de testimonios intercalados con descripciones de métodos abortivos desesperados, acompañados de imágenes oscuras, contrastadas y abruptamente iluminadas que me obligan a respirar profundo y mirar por un momento al suelo antes de continuar. Las historias hablan de infusiones de ruda y chipilín, baños de agua hirviendo, shocks nerviosos y dolor agudo inducidos, noches enteras en el frío invernal, veneno para ratas, mosquitos infectados con Zika, una piedra de 18 kilogramos sobre la barriga, mujeres lanzándose por las escaleras… el gancho.

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Ahora es un texto acompañado del registro sonoro de una conversación telefónica el que introduce un nuevo capítulo de horrores. “¿Te gusta matar bebés, verdad?”, “Hacer dinero con bebés muertos”, “Perra”. Se trata del audio del acoso telefónico sufrido por una trabajadora de una clínica en Orlando, que introduce un capítulo dedicado al terrorismo anti-aborto, a las persecuciones a las médicas y médicos que han trabajado por los derechos reproductivos, a los discursos políticos “a favor de la vida”. El papel ahora es un brillante estucado negro en el que se leen frases tan absurdas como “violación legítima” y “el aborto ha sido más letal para las vidas negras de lo que jamás fue el KKK” de la boca de personalidades peligrosamente influyentes, cuyas caras son casi irreconocibles en lo que parecen fotografías hechas a una pantalla. Son cuadros de vídeos reales. Comprobé que existen.

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El libro prosigue manteniendo una estructura cada vez más laberíntica que retoma temas y decisiones formales anteriormente presentadas. Aparecen nuevos y cada vez más precarios métodos abortivos y anticonceptivos, con una página cortada a la mitad que, al pasarla, revela el nombre y el funcionamiento de cada objeto fotografiado. Vemos nuevos retratos, esta vez emborronados, ya que se trata de mujeres fallecidas por causas como “aborto denegado” o “aborto ilegal”. Reaparecen el papel estucado y los movimientos contra el aborto. El libro plantea una estructura de complejidad progresiva, cuya primera mitad está dedicada a introducir los subtemas mediante los que se desglosará la cuestión y el código formal que le corresponderá a cada uno de ellos. Así, a medida que la estructura resulta más intrincada y los bloques temáticos más dispersos, la lectura es facilitada por la capacidad de identificar ramas discursivas gracias a la coherencia en el tratamiento estético que le corresponde a cada una de ellas.  

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En el trabajo de Laia Abril el texto no solo es importante, sino que es un elemento activo y predominante en la construcción del discurso. Las fotografías, el material de archivo, los cambios de papel, los cortes, las tipografías, son todos elementos que se entrelazan estratégicamente para plantear una mirada con potentes fundamentos históricos y de una actualidad y una pertinencia contundentes. Es difícil para mí llamar a este libro un fotolibro, porque no son predominantemente las imágenes las que construyen el discurso, sino la totalidad de los elementos en conjunto. Personalmente, valoro mucho este tipo de trabajos que, desde mi punto de vista, trascienden categorías, rompen barreras entre tipologías, responden a una investigación exhaustiva y se valen de todos los recursos que consideran pertinentes para construirse y relacionarse con el lector.

Considero que ON ABORTION es un trabajo necesario que disipa la niebla del desconocimiento y ataca la clandestinidad que ha mantenido oculto e impune el sufrimiento y la injusticia. Este trabajo me confronta como lectora con la crudeza, el sinsentido y el absurdo de las incontables muertes y padecimientos de los que las mujeres hemos sido víctimas históricamente como consecuencia de la negación sistemática de nuestros derechos sexuales y reproductivos. On Abortion no solo invita a la reflexión y a la toma de consciencia, sino que deriva en la necesidad casi ineludible de adoptar una postura. Para mí, como mujer y como colombiana, ha sido imposible pasar por estas páginas sin preguntarme a mí misma qué haría si fuera una de las mujeres retratadas, sin cuestionarme mi propio lugar en la sociedad, sin querer reclamar mis propios derechos, los de mis amigas, los de mis hermanas.

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Creo que Laia Abril hace justicia a la magnitud y la trascendencia histórica y sociocultural de su objeto de estudio. El tratamiento de la imagen me resulta impecable, tanto a nivel individual como en relación al libro en cuanto a conjunto. Cada detalle y cada decisión contribuyen para que la experiencia interpele a la lectora a nivel emocional desde la primera hasta la última página, creando islas de esperanza en un mar de oscuridad y represión, haciendo visible el rostro de las mujeres que han dado su vida por nuestros derechos, narrando su lucha y evidenciando un compromiso claro con la historia.

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Sin embargo, he echado de menos sentir a Laia presente, como fotógrafa y como mujer. Entiendo su decisión de abordar el tema desde la objetividad, el archivo y la pulcritud, pero no deja de resultarme extraño encontrar tanta distancia y asepsia en su trabajo. En varios momentos eché de menos una voz que dotara de individualidad el proceso de transitar este duro camino, un vínculo más cercano entre autora y lectora. Esta sensación, que dificulta emocionalmente el pasar las páginas e insistir en la lectura, probablemente no sea gratuita y responda a una firme resolución de hacer del libro una experiencia radical.

Como ha mencionado la autora, aún quedan dos entregas más de la trilogía de Historia de la Misoginia, de la que ON ABORTION es solo el primer capítulo. Queda una enorme expectativa sembrada sobre lo que seguirá a esta primera parte y una gran responsabilidad con la senda ya abierta, un camino tan revolucionario como vulnerable.


Texto de Luisa Ordoñez - Instagram - luisaordonez22@hotmail.com

Imágenes: Luisa ordoñez


Datos y enlaces externos sobre este fotolibro.

Datos de Publicación

Autora: Laia Abril

www.laiaabril.com


ISBN: 9781911306245

196 páginas,

114 colour and duotone plates 
Medidas: 245mm x 188mm English

 

La ira de la devoción

Este libro es producto de una historia verdadera que traspasa lo inverosímil. He deseado tenerlo desde que salió. Quedé impactada ante la fuerza de las imágenes, y aún más ante la historia. Acá el relato, en forma de sumario.

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Capítulo 1.

Tiempo atrás Liza Ambrossio decide cambiar su vida de la manera más extraordinariamente posible. Así lo relata: “Me miré hacia adentro y sin pretenderlo recordé la frase con la que mi madre se despidió la última vez que la vi: Que te vaya bien, y créeme que de verdad espero que seas muy fuerte y audaz, para no tener piedad a la hora de destrozar tu cuerpo y aplastar tu alma la próxima vez que nos volvamos a encontrar”. Liza cuenta que después de una abrumadora crisis emocional, es que a sus dieciséis años comenzó esta serie de imágenes que se mezclan con lienzos pictóricos y fotografías de su archivo familiar para impulsar al observador a sumergirse en su psicología.

Salió de la casa familiar a buscar y enfrentar al horror en todas sus formas. Su suerte hizo que el suicidio de su mejor amigo quien era fotógrafo de prensa, la llevara a ocupar su lugar fotografiando muertos y torturados en las madrugadas de la Ciudad de Mexico.

Durante la universidad se dedicó a  sobornar a una de las sirvientas de casa de su madre para que le entregaran fotos de los álbumes familiares. Y de esa manera, osadamente, construyó un imaginario particular que al día de hoy se sigue alimentando.

Capítulo 2.

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Liza ha realizado imágenes llenas de mortalidad, pero aún más, ha construido un discurso lleno de supervivencia. Ella misma cuenta que “a través de una fotografía performativa, imágenes de su propio archivo familiar y lienzos pictóricos, ahonda en la relación maternofilial basándose en su propia experiencia”. Ella dice: “La realidad está sobrevalorada y la fantasía subestimada, en mi opinión, lo más rico que existe en la vida es la fabulación y el poder de imaginar. Por eso mi fotografía está cargada de gestos performativos y cinematográficos, al mismo tiempo alusivos al archivo pictórico y al documental. En consecuencia, mi trabajo se ha convertido en un ejercicio de libertad siniestra llevado a sus consecuencias más extrañas, que tiene una fuerte relación con el azar y el instinto, tratando de usar todas las herramientas narrativas para crear algo de emoción dentro de la imperfección. Es una afrenta al terror y la deshumanización porque creo que la pasión humana es en sí misma un acto de desafío. Me gusta jugar a fallar y vivir, mezclando diferentes técnicas (autorretrato, imágenes de archivo, intervención pictórica, maquillaje, collage, fotografía analógica y digital, entre otros)”.

Capítulo 3.

Liza responde a nuestras preguntas y nos habla sobre los foto libros. Sobre el proceso de construir una obra pensando en ellos y del lugar que le pertenece al mundo salvaje que habita:

Capítulo 4.

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Liza es una artista visual mexicana nacida en 1993, que actualmente vive y trabaja entre Madrid y París.

Posteriormente a haber sido seleccionada por el festival Paraty em foco en el año 2014 su carrera ha ido en ascenso. Ha conseguido numerosos  premios entre ellos: El Bindu en el Tercer Concurso de Fotografía Contemporánea de México y el premio Galeria de Babel en el Primer Concurso de Fotografía Latinoamericana.

Es una de las fotógrafas de su generación más prometedoras pues se ha llevado: Descubrimientos 2017-18 del Festival PhotoEspaña y La Fábrica, la VI Edición Becas Talento Fotografía TAI. También arraso con el Premio Nuevo Talento FNAC 2018 y el Premio Voies Off de Arlés 2018. Su proyecto “La ira de la devoción” y exposición “Naranja de Sangre” a sido apadrinada por el mítico fotógrafo español Alberto García Alix, quien la describe en las siguientes palabras: “Su obra es su vida y su vida es su obra, tiene la capacidad de envolvernos a todos y no soltarnos. Da miedo, nos aterroriza y también nos atrae porque tiene los demonios muy de fuera y eso la hace una artista espectacular”. Su obra ha sido revisada y criticada por: The British Jounal of Photography, Vogue IT, la fundación Magnum.


Texto realizado por Vilena Figueira - Instagram - vilenafigueira@yahoo.es

Imágenes: Vilena Figueira


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Datos de Publicación

Autora: Liza Ambrossio

ISBN: 978-84-17048-61-7

País: México

Diseño: Alfredo De Stefano y Lorena Martínez.

Edición inglés-español: Guillermina Olmedo y Vera Cartoné.

Tamaño: 20 x 24 cm

Número de páginas: 104 páginas - 62 fotografías

Editorial: Desiertas ediciones

www.luzdelnorte.com

Donde Comprar:

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Nota: Si quieres consultarlo contáctanos a info@dobleespacio.com